Album Archives - Thorium Magazine

Category: Album

Burning The Oppressor – Waking Nightmare (Critique d'album)

La formation montréalaise Burning The Oppressor nous présente son cinquième album intitulé Waking Nightmare. Ça fait plusieurs années que je connais le groupe et j’ai toujours apprécié leur mélange de riffs agressifs et de groove qui te fait shaker de la tête jusqu’à en avoir mal au cou. Sachant que cet album a été mixé par Chris Donaldson de Cryptopsy, ça risque de rentrer au poste en s’il-vous-plaît et disons que les attentes sont assez élevées.

L’intro Eternal Rest est littéralement ce qu’on pourrait appeler le calme avant la tempête car une fois que Slayer Princess commence, c’est une véritable tuerie. Dès le début, on a une avalanche de gros riffs gras, un drum qui te pilonne le cerveau et c’est exactement ce à quoi je m’attendais. Ce qui m’a le plus surpris c’est à quel point le vocal de Kevin Bordeleau a évolué depuis le dernier album. Son range vocal est tellement devenu large qu’en écoutant la pièce Animal je me suis sincèrement demandé s’il y avait un featuring avec un autre chanteur. Ce que je remarque le plus avec Waking Nightmare est un changement au niveau du son du groupe. Si leur album précédent, Damnation, y allait dans le death metal groovy, celui-ci est sur la mince ligne entre le death metal et le hardcore tout en ajoutant une grosse dose de mélodie et, personnellement, je trouve que ça leur va très bien. On entend surtout le côté hardcore dans la chanson Animal et dans les gang shouts de Explode et Slayer Princess et ça ajoute une belle twist à leurs compositions. Ce que j’ai également apprécié est l’habilité du groupe d’aller dans des sonorités plus mellow comme pour les chansons Exhausted et Silence qui sont probablement mes préférées sur l’album.

J’ai beau chercher fort, et j’ai de la difficulté à trouver quelque chose à redire sur Waking Nightmare. Une chose que je pourrais reprocher à cet album et que l’intro Eternal Rest et l’outro The Void sont peut-être un peut superflus et leur côté tranquille ne fitte pas tellement avec le reste. Je trouve également que l’extrait parlé dans Slayer Princess ne sert pas à grand chose, surtout qu’on ne comprend pas vraiment ce qui est dit.

Je pense sérieusement que Waking Nightmare est le meilleure album de Burning The Oppressor jusqu’à maintenant. On a ici un mélange de tout ce que j’apprécie dans le genre en plus d’avoir une production béton. Si vous êtes déjà fan du groupe, vous allez tripper solide!

8,5/10

Auteur : Maxime Pagé

Warbringer – Wrath And Ruin (Critique d'album)

Parmi les groupes de la nouvelle vague de thrash metal américain inspiré des années 80, Warbringer est sans aucune doute mon préféré. Leurs compositions pleines de hargne aux thématiques dystopiques et militaires en mettent plein la gueule et chaque album est une avalanche de riffs rapides et cinglants. Ils sortiront d’ailleurs un tout nouvel album vendredi prochain qui s’intitule Wrath And Ruin, leur septième album en carrière. Peut-on s’attendre au même niveau de qualité que pour les albums précédents? À des riffs qui mitraillent et des beats explosifs, ou à un pétard mouillé?

Le tout commence avec The Sword And The Cross qui, en plus de contenir tous les éléments que j’aime du groupe, est très variée au niveau de la rythmique. Le chanteur John Kevill y va encore une fois avec un vocal hargneux avec ses cris haut perchés très old school que j’apprécie beaucoup. Comme pour Weapons Of Tomorrow, Wrath And Ruin contient des chansons beaucoup plus longues se rapprochant même parfois du sept minutes au compteur même si on a plusieurs pièces plus straight to the point comme The Jackhammer et Strike From The Sky. Ces deux dernières sont d’ailleurs parmi mes favorites car même si je peux apprécier des pièces thrash plus longues, rien de mieux qu’un paquet de riffs envoyés directement dans ta face. Parlant de chansons plus longues, les deux dernières (Cage Of Air et The Last Of My Kind) marquent aussi un grand coup par la qualité de leur composition et c’est toujours agréable de voir le groupe expérimenter avec la guitare acoustique et les orchestrations.

Je vais être 100% honnête avec vous, quand j’ai vu l’artwork pour Wrath And Ruin, je ne l’ai pas trouvé particulièrement inspirant, même s’il n’est pas moche pour autant. Warbringer peuvent se targuer de toujours avoir eu des pochettes d’exception, sauf pour IV : Empires Collapse qui était très minimaliste. C’est juste dommage que celle-ci n’évoque rien de particulier pour moi alors que celles des deux derniers albums étaient incroyables. Malheureusement, ce n’est pas le seul détail qui accroche de mon côté. Si vous me demandez quelles sont mes chansons préférées de Warbringer, je peux vous en sortir plusieurs en quelques secondes, allant de Combat Shock à Remain Violent en passant par Living Weapon et Living In A Whirlwind. Le gros problème avec Wrath And Ruin, c’est que ça manque de moments mémorables. Je n’ai pas eu d’effet wow avec l’album et, même si je sais quelles chansons j’ai préférées, elles ne m’ont pas marqué outre mesure. Finalement, je mentionnais le côté hargneux que je retrouvais dans leur musique tout au long de leur carrière, et j’ai trouvé que ça manquait un peu de pep de ce côté-là. Même leur thématique militaire qui est un trademark du groupe est beaucoup plus en retrait, ce que je trouve dommage.

Je ne vous cacherai pas que j’ai été quelque peu déçu de mon expérience avec Wrath And Ruin. Sans être un mauvais album de thrash, ça manque du côté catchy qui rendait les chansons de Warbringer mémorables. Je vais peut-être y redonner une chance prochainement, mais à part quelques pièces qui pour moi sortent un peu plus du lot, je ne pense pas que l’album entre dans ma rotation.

7,5/10

Auteur : Maxime Pagé

Alyksir – Devourer (Critique d'album)

La formation montréalaise Alyksir nous offre son tout premier album intitulé Devourer. Le groupe existant depuis déjà quelques années, il était grand temps qu’ils sortent leur premier opus qui est à mi-chemin entre le melodeath et le meloblack avec une touche d’éléments symphoniques. Est-ce que l’attente en aura valu la peine?

Dès les premières notes de la chanson The Void, on se rend vite compte que la production est très organique (voire un peu crue) mais ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose. Musicalement, le tout est bien exécuté et les compositions sont catchy. On y retrouve plein de sonorités communes au genre sans pour autant donner l’impression que c’est du réchauffé. En plus des gros riffs, j’ai bien apprécié les parties de guitare plus clean dans les pièces Lifestream et My Inception qui sont probablement mes préférées sur cet album. Du côté du vocal, c’est plutôt bien fait et, dans l’ensemble, c’est convaincant.

Je dois par contre ajouter un gros bémol qui a quelque peu gâché mon expérience. À plusieurs reprises, le vocal devient très criard et ça ressemble un peu trop à un mélange de Billy Talent et Kreator. Je pourrais dire qu’après un certain moment j’ai fini par m’habituer, mais je pense sérieusement que c’est le maillon faible sur cet album. C’est dommage, car même si j’apprécie beaucoup la chanson Disdain, ce vocal criard prend toute la place dans le refrain. J’ai aussi remarqué une chose étrange avec le mixing de l’album : Il n’y a aucune transition entre les chansons. Je veux dire qu’après chaque pièce, ça coupe très sec, on a une pause et l’autre pièce commence. C’est peut-être fait volontairement, mais avoir toujours deux ou trois secondes de vide au début des chansons, je trouve ça bizarre.

Malgré tout, je crois que Devourer est un bon début pour Alyksir. Il est certain que ça ne réinvente pas la roue, mais ça reste tout de même un album agréable à l’écoute, si on oublie le vocal un peu trop haut perché.

7/10

Auteur : Maxime Pagé

Grima – Nightside (Critique d'album)

Après avoir acquis une belle notoriété au cours des dernières années, la formation russe Grima débarque avec un tout nouvel album intitulé Nightside au artwork tout simplement sublime signé Paolo Girardi. Les figures énigmatiques aux masques de bois ont l’habitude de nous offrir un black metal atmosphérique de qualité comme eux seuls savent le faire. Est-ce que ce nouvel opus entrera également dans cette catégorie?

après une brève intro où le son de l’accordéon règne, on tombe sur Beyond The Dark Horizon qui donne le ton pour le reste de l’album. On a ici une production très soignée et loin des sonorités lo-fi typiques pour le genre. Le son et les ambiances nous englobent et permettent de nous laisser errer au gré des atmosphères sombres et glaciales. J’avais un peu peur que les sons d’accordéon soient surutilisés et que ça devienne lassant, mais tout est très bien balancé. L’album est une succession de mélodies prenantes et je dois avouer avoir un faible pour Flight Of The Silver Storm, Nightside et Impending Death Premonition. Entre les blast beats, les riffs et les passes acoustiques, j’y trouve une certaine quiétude. En fait, je vais faire un rapprochement quelque peu improbable, mais avec Nightside, Grima me donne l’impression d’être devenu le penchant hivernal d’Agalloch. Si la musique d’Agalloch m’a toujours évoqué le gris de l’automne, Grima me donne la même impression musicalement mais avec des images de plaines et de forêts enneigées. Ça faisait un bon moment qu’un album de black metal atmosphérique n’était pas venu me chercher à ce point.

J’ai beau essayer de trouver quelque chose à redire de cet album, mais force est de constater que c’est assez difficile. Je pourrais dire par contre que la première pièce de l’album, Beyond The Dark Horizon, est peut-être une faible entrée en matière si on la compare au reste. Et encore là, elle est loin d’être mauvaise. Le petit d’accordéon à la fin de Skull Gatherers est aussi quelque peu superflu à mon avis et je pense qu’il aurait été mieux de l’enlever.

Je sais qu’on est encore tôt dans l’année, mais jusqu’à maintenant Nightside de Grima est sans aucun doute mon album de black atmosphérique de 2025. J’ai adoré mon expérience avec leurs compositions aux ambiances exceptionnelles et j’ai déjà hâte de m’y replonger.

9/10

Auteur : Maxime Pagé

Ulfhednar – Tales Ov Aeons Past (Critique d'album)

Ulfhednar est un nom qui circule énormément depuis quelques temps et ce n’est pas pour rien. La jeune formation montréalaise en a surpris plusieurs avec son premier EP Wolves Ov Vinland sorti en 2021 et son métal païen bien exécuté. Ils nous reviennent gonflés à bloc cette année avec un premier album intitulé Tales Ov Aeons Past où s’entremêlent mélodies et sagas épiques. Mais la vraie question à se poser : Comment ça sonne?

À leurs débuts, j’avais comparé le son d’Ulfhednar à celui de Heidevolk…et on est loin de ça avec le nouvel album. C’est sous le signe du death mélodique que débute l’album avec Fear The Draugr et Sang sur la neige qui me donne une vibe un peu à la Amon Amarth. La production est superbe et tous les instruments sont bien audibles. Avec Tales Ov Aeons Past, le groupe nous démontre ce qu’il est capable de faire en passant par les gros riffs agressifs, les mélodies acoustiques bien senties et des orchestrations qui sont vraiment bien ficelées. Leur single Allfather’s War est une belle taloche en pleine face avec de bons riffs accrocheurs et une belle variété au niveau du vocal. Mais je crois que celle qui gagne la palme est Odysseum Tryggvason où ils y vont à fond dans un folk metal vraiment convaincant et, honnêtement, je pense que c’est ce qu’ils font de mieux.

Je dois malheureusement pointer l’éléphant dans la pièce qu’est la chanson Fear The Draugr qui est, à mon avis, la moins réussie sur l’album. Cette chanson de plus de huit minutes s’étend en long et en large et ne lève jamais vraiment, ce qui est dommage. Il y a plein de bonnes idées côté arrangements et côté ambiances, mais quand tu étires trop la sauce, ça finit par tomber un peu à plat. Si Tales Ov Aeons Past a la prétention d’être une carte de visite du groupe pour montrer son talent et sa créativité, c’est réussi, mais comme album ça manque un peu de cohésion et d’une ligne directrice précise.

Outre ces détails, j’ai passé un bon moment avec Tales Ov Aeons Past et je suis convaincu qu’Ulfhednar ira très loin vu son grand talent. Si vous aimez le métal païen qui donne envie de se battre et/ou de boire (dans l’ordre que vous voudrez), essayez ça!

7.5/10

Auteur : Maxime Pagé

Frostbite – Relentless Grief (Critique d'album)

Plus de huit ans après la sortie de leur premier album Etching Obscurity et après plusieurs changements de personnel, la formation montréalaise Frostbite est de retour avec un tout nouvel album intitulé Relentless Grief. En remplacement de la chanteuse Krystal Terepocki, on retrouve Max Allard qui faisait déjà partie du groupe en tant que guitariste. Après avoir entendu les extraits sortis jusqu’à maintenant, j’étais tout de même intrigué d’entendre la suite de ce qui semblait être très prometteur.

Dès les premières notes de l’intro Unearthing Dread, on peut tout de suite constater que la production est excellente et Death Omen nous le confirme encore plus en nous en mettant plein la gueule. On a ici un melodic black bien senti et qui est clairement inspiré de groupes comme Dissection. Je m’avancerais même en disant que le groupe Bane, dont tous les membres de Frostbite ont fait partie, a sans doute beaucoup influencé leur son et ce n’est vraiment pas une mauvaise chose. Max Allard fait vraiment du bon travail côté vocal avec un scream raspy qui fitte très bien avec la musique. Il est également agréable de pouvoir entendre des lignes de basse bien ficelées dans un style où c’est souvent laissé de côté. La grande force de Frostbite est le mélange de mélodies accrocheuses et d’atmosphères lugubres mises de l’avant par quelques bouts plus symphoniques ou acoustiques qui, sans prendre trop de place, sont juste bien dosés. J’ai d’ailleurs un faible pour l’interlude Echoes Of Eldritch Past et l’outro Existence Forlorn qui sont très prenantes et bien composées. Dans les meilleures chansons sur l’album, Death Omen, Flagellants et Void And Emptiness sont définitivement les plus redoutables.

Dans l’ensemble, je n’ai pas vraiment de bémol à apporter sauf peut-être la longueur de cet album (28 minutes) qui est à mon avis un peu trop court. On passe au travers de Relentless Grief un peu trop rapidement et je pense qu’une chanson ou deux de plus auraient pu faire une différence. Je trouve également dommage que la chanson titre est peut-être celle qui est la moins intéressante et manque un peu de profondeur comparée à d’autres comme Void And Emptiness ou encore Omnia Perit. J’en aurais peut-être en choisi une autre comme single.

Les gars de Frostbite ont marqué un grand coup avec Relentless Grief et on peut dire que, comme retour, c’est très réussi! Si vous trippez sur le black metal mélodique, ça va clairement vous plaire!

8/10

Auteur : Maxime Pagé

Wind Rose – Trollslayer (Critique d'album)

Depuis la sortie de leur album Wintersaga et surtout celle de leur cover de la chanson de The Yogscast Diggy Diggy Hole, le groupe italien Wind Rose a le vent dans les voiles et jouit d’une belle popularité. Lors de leur première tournée en tant que tête d’affiche en Amérique du Nord l’an passé, une bonne partie des spectacles étaient à guichet fermé, ce qui n’est pas rien. Ils reviennent cette année avec un tout nouvel opus intitulé Trollslayer au grand plaisir des fans de musique festive et épique et qui donne franchement envie de se laisser pousser une barbe d’un mètre de long. J’avais bien aimé leur album précédent Warfront et j’avais bien hâte de voir dans quelle direction le groupe allait se diriger cette fois-ci.

Après une intro peut-être un peu trop longue on tombe sur la pièce Dance Of The Axes avec laquelle on retombe avec aisance et plaisir dans l’univers du groupe où s’entremêlent nains, batailles et beuveries. Comme j’avais escompté, on y retrouve de belles mélodies accrocheuses et je ne pouvais pas m’empêcher d’imaginer à quel point certaines chansons auront du succès en spectacle avec la foule scandant les paroles le poing dans les airs. J’avais quelques appréhensions avec leur premier single Rock And Stone que je trouvais quelque peu répétitive, mais après plusieurs écoutes c’est devenu un ver d’oreille redoutable. Même constat avec To Be A Dwarf et Home Of The Twilight qui sont, pour moi, parmi les meilleures chansons sur l’album. Dans l’ensemble, Trollslayer s’écoute très bien du début jusqu’à la fin sans anicroche…ou presque.

En fait, je crois que Wind Rose commence peut-être à avoir le problème de plusieurs autres groupes qui se campent dans une thématique précise : On a un peu l’impression que ça tourne en rond. Ne vous y méprenez pas, j’adore les groupes à thématiques comme Powerwolf, Alestorm et compagnie! Mais avec Trollslayer je ne pouvais m’empêcher de constater que plusieurs chansons sonnent trop comme d’autres sur les albums précédents. Le meilleur exemple est la pièce The Great Feast Underground qui sonne trop comme Drunken Dwarves sur Wintersaga. Même chose avec les chansons Home Of The Twilight, Trollslayer et Legacy Of The Forge qui se suivent sur l’album…et qui commencent exactement avec la même rythmique. Mais je pense que le gros point faible de cet album est la dernière chanson No More Sorrow que j’ai trouvé trop longue, trop plaignarde et qui en soit n’est pas tellement une bonne finale pour l’album.

Trollslayer n’est certainement pas un mauvais album et je suis sûr que ça plaira aux fans du groupe ou de power metal en général, mais, de mon côté, j’ai trouvé que c’était un peu trop du déjà vu, voire du réchauffé. Je vais fort probablement réécouter certaines des chansons dans le futur, mais pas l’album dans son intégralité.

7/10

Auteur : Maxime Pagé

Doe’s Theory – Otherside Album Review

⚠️Warning : Addictive Alternative Rock

Un rock alternatif puissant, agrémenté d’influences métal et couronné par des riffs accrocheurs.

Doe’s Theory, groupe de rock alternatif toulousain, continue d’affirmer son identité musicale avec la sortie de leur nouvel album, Otherside. Le groupe, qui a fait ses débuts en interprétant des reprises de groupes phares comme System of a Down, Foo Fighters et Nirvana, évolue aujourd’hui vers un son plus métallique et post-grunge.

Le 5 juillet 2024 marque une date clé pour Doe’s Theory avec la sortie de leur album Otherside, symbolisant une nouvelle phase pour ce groupe toulousain.

L’album s’ouvre sur Stranger, une piste qui séduit immédiatement grâce à une ligne de guitare audacieuse et la voix rauque de Kevin, le chanteur charismatique du groupe. La deuxième piste, Until the End, intrigue par son introduction douce avant de nous entraîner dans un rythme effréné, capturant l’essence même du rock et du grunge, avec un solo de guitare final saisissant.

Dans The Otherside of the World, l’influence de Linkin Park est palpable, bien que certains critiques pourraient noter un manque de variations rythmiques pour maintenir l’engagement de l’auditeur.

Le morceau Lost se démarque par ses harmonies soigneusement construites, fusionnant rock alternatif, new metal. Le groupe plonge au cœur d’un thème introspectif et émotionnel, et Lost se distingue par cette approche. Ce titre est particulièrement remarquable pour son habile fusion des genres.

Avec Crawl into the Lies, Doe’s Theory propose un riff saturé et irrésistible qui incite inévitablement à hocher la tête en rythme.

Stop Wondering Why évoque fortement l’influence de System of a Down, en combinant audacieusement rock alternatif, grunge et nu metal.

Enfin, Uppercut, un bonus track issu de la collaboration avec l’auteure Sandra Léo, clôt cet EP sur une note littéraire et musicale, enrichissant encore l’expérience auditive de l’auditeur.

De On the Edge à Otherside, les Influences de Doe’s Theory : Une Fusion Unique

Dans une entrevue, le groupe a partagé que le processus de création de cet album n’a pas radicalement changé par rapport à leur premier EP, On the Edge. Cependant, l’évolution de leur son s’explique par un mélange plus fort de leurs influences. « Aujourd’hui, on se connaît beaucoup mieux, et on sait aller piocher des sonorités plus typées dans les influences de chacun », a confié le groupe.

Leurs principales sources d’inspiration incluent le post-grunge et le nu métal des années 2000, mais aussi des influences personnelles variées comme le pop punk et le metalcore. Le groupe puise également dans les influences extérieures, notamment l’actualité, pour teinter leurs compositions d’un ton plus sombre.

Doe’s Theory ne cache pas que le plus grand défi rencontré lors de la production de Otherside a été le temps. L’autoproduction a exigé un investissement considérable, entre sessions de studio, home studio, et mixage. Malgré ces défis, le groupe est satisfait du résultat et espère que l’album résonnera auprès d’un large public. « Nous avons passé du temps à soigner nos compos, et nous avons eu à cœur de produire cet EP de la meilleure manière possible, à notre échelle et avec nos moyens. Ça a été un travail de plusieurs semaines voire de plusieurs mois! »

Pour l’avenir, Doe’s Theory compte se concentrer sur la promotion de Otherside à travers des performances live et des efforts de communication. Un clip est prévu pour cet été, et le groupe envisage déjà de nouvelles compositions.

Otherside est une réussite qui démontre l’habileté de Doe’s Theory à fusionner les genres tout en affirmant une identité sonore unique. À écouter absolument pour les amateurs de rock alternatif et de métamorphoses musicales.

Auteure : Sandra Esteves

Unleash The Archers – Phantoma (Critique d'album)

Au fil des années, la formation britanno-colombienne Unleash The Archers a su se hisser très haut dans la liste de mes groupes de métal canadiens préférés. Leur album Abyss a même terminé en première position de mon top des meilleurs albums métal de 2020 et je l’écoute encore régulièrement. Le groupe nous revient presque quatre ans plus tard avec un tout nouvel opus intitulé Phantoma dont la thématique tourne autour de l’intelligence artificielle. Après Abyss, il faut avouer que la barre est extrêmement haute, presque aussi haute que mes attentes. Est-ce que le groupe aura su encore une fois produire quelque chose d’extraordinaire?

Le tout commence avec Human Era qui débute assez doucement, pour finalement accélérer le tempo et elle nous en met plein la face. La production est excellente et le tout sonne à merveille. Encore une fois de Brittney Slayes rayonne par son range vocal impressionnant et aussi le range d’émotions qu’elle peut nous transmettre dans les différentes chansons de l’album. Un élément qui brille également sur Phantoma est l’utilisation de sons de claviers qui font très sci-fi et qui s’accordent très bien avec la thématique. Les pièces Ph4NT0-mA et The Collective en sont d’ailleurs de bons exemples. Le son d’Unleash the Archers est souvent inspiré des années 80 et c’est encore plus vrai avec les chansons Gods In Decay et la power ballad Give It Up Or Give It All. Cette dernière se démarque d’ailleurs par son côté cheesy et assumé et entraînant. En plus des pièces mentionnées précédemment, je dois avouer avoir un faible pour les singles Green & Glass, Ghosts In The Mist et Seeking Vengeance qui me sont restées en tête longtemps.

Je vais être honnête avec vous, à ma première écoute de Phantoma, j’ai eu de la difficulté à vraiment embarquer dans l’aventure. Je sais qu’il ne faut pas trop faire de comparatifs avec les albums précédents, mais qu’on le veuille ou pas, on espère secrètement être autant flabbergasté et touché par le nouvel album. Mais après quelques écoutes, j’ai pu vraiment apprécier les compositions à leur juste valeur. En fait, je crois que la seule chanson qui ne m’a pas vraiment accroché, c’est la dernière pièce de l’album Blood Empress qui est moins catchy que le reste et je trouve que c’est peut-être un peu faible comme fin d’album. La dernière chose qui m’a un peu déplu avec Phantoma est sans contredit sa pochette. Unleash The Archers nous a habitué à des artworks travaillés et inspirants (je pense surtout à Apex) et, sincèrement, je trouve que celle de Phantoma est ordinaire et ne se démarque pas assez.

En résumé, j’ai beaucoup apprécié mon expérience avec Phantoma et Unleash The Archers ont encore une fois marqué un grand coup. Cet album là est sans aucun doute un must pour les fans de power metal et, qui sait, peut-être qu’il finira en quelque part dans mon top 2o24.

9/10

Auteur : Maxime Pagé

Monkey3 – Welcome To The Machine (Critique d'album)

En tant que chroniqueur, je crois qu’il est important voire essentiel de sortir de sa zone de confort. Non seulement cela brise la routine mais ça permet également d’ouvrir ses horizons musicaux. C’est dans cet état d’esprit que je me suis lancé dans l’écoute du tout dernier album de la formation suisse Monkey3 intitulé Welcome To The Machine. Je n’avais jamais entendu parler de la formation auparavant même si leur premier album est sorti en 2004 et leur appellation de psych rock instrumental m’a un peu intrigué. Je sors donc de ma sphère métallique vers un inconnu psychédélique.

Si j’avais quelques présupposés quant au genre musical de Monkey3, je me suis un peu trompé. Quand j’entends parler de trucs psychédéliques, j’ai aussitôt tendance à l’associer aux sonorités de la scène stoner/doom…et ça n’a absolument rien à voir avec leur musique. Dès les premières notes d’Ignition, je me suis retrouvé face à un mur de son complexe mais aussi mélodique et, surtout, à une ambiance englobante qui est vraiment venue me chercher. En plus de la production qui est carrément hallucinante, tous les instruments sont parfaitement audibles et c’est surtout les ambiances très sci-fi qui font toute la différence.

La plupart des chansons présentes sur cet album dépassent les dix minutes au compteur et je crois que c’est la longueur parfaite pour se laisser planer au gré des mélodies. En plus du groove de la basse que j’ai beaucoup apprécié, je dois dire que ce qui m’a le plus fait tripper ce sont les solos de guitare vraiment bien sentis (j’ai un énorme penchant pour la finale de Ignition qui m’a donné des frissons). En fait je pourrais écrire d’énormes paragraphes sur chaque chanson tellement c’est dense. Que ce soit pour l’intensité de Collision, le groove de Rackman ou la superbe finale qu’est Collapse, tout est exécuté d’une main de maître. Je dois tout de même admettre qu’il faut peut-être être dans un certain mood pour apprécier la musique de Monkey3 à 100% mais, outre ce petit détail, il m’est très difficile de trouver des défauts à cet album.

J’ai adoré mon expérience avec Welcome The The Machine et ça m’a donné le goût de me plonger dans la discographie de Monkey3. Si vous avez le goût d’expérimenter avec quelque chose d’exceptionnel, cet album-là est en plein ce qu’il vous faut.

9/10

Auteur : Maxime Pagé

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