Obtenir le statut de groupe culte au sein du Metal Noir c’est exceptionnel et tout à l’honneur de Sorcier Des Glaces qui soulignait les 20 ans de son existence en 2016. Généreux de son temps et de sa prose, le sorcier en personne, Sébastien Robitaille, s’est prêté à notre interogatoire.

Thorium – Bonjour Sébastien alias Sorcier des Glaces, que sont les nouvelles pour Sorcier des Glaces en cette année 2017 assez avancée?

SDG – L’année 2016 fut assez chargée pour Sorcier Des Glaces en terme de « nouveau matériel ». Cette année, nous nous sommes concentrés sur des rééditions de nos anciens albums en LP (chez Obscure Abhorrence) et cassette (Dread Records). D’ailleurs, deux autres rééditions en vinyle sortiront dans un avenir rapproché, Moonrise in Total Darkness et The Puressence of Primitive Forests. Il faut dire que je me suis investi beaucoup en 2017 sur mon projet doom metal Passage, avec lequel nous avons sorti notre deuxième album en juin dernier.

T – L’an dernier, Sorcier des Glaces avait sorti un superbe album digne de vos meilleurs efforts en North et un peu plus tard la même année un split avec Ende avec quatre chansons entièrement en Français. Est-ce la nouvelle approche de SDG, en Français svp, toi qui avais écrit tout autant dans la langue de Shakespeare que dans la langue de Molière?

SDG – Non, ce n’est pas la nouvelle approche ou philosophie, j’aime beaucoup écrire/chanter autant en anglais qu’en français. Ce n’est aucunement une question politique en ce sens, mais plutôt selon mon feeling du moment! Pour Le Puits des Morts, j’ai décidé d’y aller uniquement en français car ce qui unit le Québec et la France est notre belle langue française. Il est très important pour moi d’intégrer des passages, voir des textes complets dans ma langue natale. Cependant, j’aime également beaucoup la sonorité des mots en anglais donc j’y vais réellement selon mon inspiration.

T – Trop souvent on oublie comment Snowland était un album précurseur, que l’on peut même qualifié de kult, pour le Metal Noir Québécois. Sa distribution était digne d’un tape trading et plusieurs ont commandé cet album par courrier. Combien de copies de Snowland, l’original, ont-elles été imprimées?

SDG – Ça a été toute une aventure à cette époque! Je ne me souviens pas réellement du nombre de copies totales car on en ré-imprimait à mesure (c’était seulement en CD-R) mais ce qui devait n’être qu’un petit projet parallèle à mon groupe principal Moonlyght à cette époque (on parle 1997-1998) aura été le début d’une grande aventure! Je n’avais pas beaucoup d’expérience studio, la seule chose qu’on avait enregistré était la première démo de Moonlyght, Midwinter Melodies, l’année précédente et avec un producteur en plus, donc de tout faire moi-même avec zéro expérience a été quelque chose… et j’y ai beaucoup appris !

T – Peut-on affirmer que c’est le premier album de «vrai» Metal Noir Québécois? Si non, qui crois-tu qui pourrait porter ce titre?

SDG – Je n’en ai aucune idée honnêtement. Peut-être ayant sorti un « full-length » album, mais peut-être pas en tant que groupe car Frozen Shadows avait déjà sorti leur démo Empires de Glace quelques temps auparavant, Veneficium en étaient à leurs premiers balbutiements, Esker également. J’ai formé le projet Sorcier Des Glaces officiellement je dirais fin 1996 – début 1997, alors je ne sais pas. J’avais déjà pris des photos préalablement même un peu avant, j’avais des idées en tête, des riffs, mais rien n’était encore concret jusqu’à l’enregistrement de Snowland.

T – Continuant avec les origines de SDG, tes influences de Tormentor à Mayhem (De Mysteriis Dom Sathanas), DarkThrone et le vieux Samael est-ce que l’on peut parler de cette époque comme de moments de nostalgiques ou si tu crois que cette «scène» est toujours vivante?

SDG – Pour ma part c’est de la nostalgie, mais bien vivant et encré en moi à jamais. Je me souviens lorsque j’ai acheté De Mysteriis Dom Sathanas en cassette lorsque l’album fut sorti officiellement, ça m’a frappé comme un train! L’atmosphère glauque, morbide… c’est un feeling que je retrouvais aussi dans Blood Ritual de Samael, et bien sûr A Blaze in the Northern Sky (Darkthrone – ndlr). Quelque chose de malsain et noir, mais absent dans des groupes de Death Metal comme Deicide ou Morbid Angel par exemple. Je dirais que ces trois albums-là ont été les premiers à changer ma perception de la musique metal en général. Je ne cherche pas à reproduire ce feeling avec SDG, car je crois qu’au fil des années nous avons réussi à trouver notre propre son, notre âme.

T – Je ne reviendrai pas sur le fait que tu ne fais pas de spectacles avec SDG ou Moonlyght, par contre est-ce que l’énergie d’une salle te manque? Par exemple, de voir quelles chansons vont faire headbanger les gens et lesquelles semblent plus étanches pour le public?

SDG – Oui dans un sens, le feeling de faire des spectacles, d’interagir avec le public, de les voir tripper lorsqu’on joue nos chansons, etc. Ça me manque! Par-contre, jouer live demande beaucoup d’investissement de temps, d’organisation, d’argent, de sacrifices, etc. Ça peut paraître égoïste de dire cela, mais ayant des enfants en bas âge (tout comme le batteur de SDG), le fait de devoir trouver et former des musiciens sessions car SDG est un duo, organiser et faire des pratiques à raison de plusieurs fois par semaine, ainsi qu’une multitude d’autres raisons font en sorte que pour le moment nous ne sommes pas intéressés à jouer live. Never say never comme on dit, mais pas pour l’instant!

T – J’ai aussi lu que plusieurs des compositions de SDG sont issues de tes sessions d’écritures et d’enregistrement antérieurs, notamment Moonrise In Total Darkness et The Puressence of Primitive Forests étaient complétement enregistrés plusieurs années avant leurs sorties. Est-ce que SDG est le fruit d’une époque qui t’a profondément marquée ou c’est un état d’esprit propre à l’écriture de SDG?

SDG – Pour Moonrise nous avons enregistré l’album un an après la sortie de Snowland, donc c’était très rapide. J’étais dans un bon mood de composition et j’étais boosté avec la réponse extrêmement positive de Snowland. Nous avons donc décidé de faire les choses différemment cette fois et d’avoir une production meilleure que Snowland qui elle, était absolument exécrable! Par-contre, je crois que je n’avais pas la force et l’énergie de me chercher un label pour SDG en 1999-2000, j’étais en pleine restructuration de Moonlyght, changement de line-up, et nous voulions enregistrer notre premier album. Ce qui fait que l’album est resté sur la glace… très longtemps. Dans cette période j’ai énormément composé de riffs pour SDG, que j’ai gardé sur de vieilles cassettes TDK! Heureusement, car j’en ai retrouvé plusieurs aujourd’hui. Une chanson comme « Under the Moonlight » sur Ritual of the End, c’est en réalité une vieille pièce de Moonlyght datant je crois de 1996, que j’ai adapté à SDG. Même chose pour la pièce « North », j’ai modifié le tout pour fitter avec le concept de SDG.

T – Avec ton side project de doom metal Passage, un duo encore une fois avec Luc Gaulin en tant que drummer, vous avez fait un album qui résonnait comme ceux des vieux maitres (Candlemass, Cathedral) et ce, bien que ce genre ne soit plus autant en vogue ces dernières années. Pensez-vous produire du nouveau stock sous cet avatar puisque le timing serait bon et que le public est prêt à recevoir de plus en plus de Doom metal?

SDG – Nous venons tout juste de sortir notre deuxième album As Darkness Comes en juin 2017! J’ai énormément de plaisir à travailler et composer du doom, et ça ne s’arrêtera pas là. Je suis un grand amateur de Paradise Lost, Katatonia, Anathema, My Dying Bride… et Passage me permet d’exprimer des idées et concepts qui ne concordent pas du tout avec SDG. On reconnait tout de même certaines mélodies qui sont propres à moi, qui ont en commun mes groupes musicaux.

T – Comme tu sembles vouloir te dissocier du Black Metal en qualifiant Sorcier des Glaces de Cold Primitive Metal, surtout pour son atmosphère glacial et grim, est-ce que dans le futur tu te permettras d’aller dans l’expérimentation un peu comme Wolves In The Throne Room qui me font un peu penser à l’atmosphère que SDG a su créer dans sa musique?

SDG – Je crois que je peux me permettre d’expérimenter tout en gardant le focus sur la « bête » qu’est SDG, ses valeurs, son identité. Jamais je ne ferai un virage à 180 degrés pour intégrer par exemple de l’électronique, ou du punk rock! Il y a certaines règles qui ne peuvent être transgressées. Par-contre, j’ai beaucoup d’influences venant du shoegaze, qui se marient très bien avec le son de SDG, avec ses guitares planantes, ou des mélodies sur les guitares acoustiques. J’aimerais créer quelque chose de spécial pour un futur album, quelque chose qui me mettrait au défi. J’aimerais un jour également faire un album entièrement acoustique, ça pourrait être quelque chose d’assez intéressant! Les possibilités sont infinies, l’inspiration doit être là et je dois être satisfait de moi en premier, avant d’entreprendre quoi que ce soit!

T – Par simple curiosité musicale quels sont les derniers albums que tu as aimés? Et les derniers shows que tu es allé?

Mes goûts musicaux sont extrêmement variés. Actuellement j’écoute beaucoup le dernier Ulver The Assassination of Julius Cesar, le nouvel album d’Anathema, le dernier Vallenfyre ainsi que le nouvel album de Slowdive. Comme je produits également quelques groupes à mon Hell Studio, j’ai beaucoup écouté le nouvel album de Brume d’Automne, que j’ai produit. En plus des vieux classiques qui reviennent régulièrement dans le lecteur comme The Key de Nocturnus ou bien Altars of Madness de Morbid Angel. Ce sont mes goûts du moment. Je ne vais malheureusement pas beaucoup dans les spectacles depuis un bon moment déjà!

Auteur : Michaël Parent

Photographe: Thomas Mazerolles

En préparant le lancement de leur tout premier album, j’ai rencontré les 3 musiciens du groupe les Hazytones, pour une courte entrevue à propos du groupe et de leur tournée canadienne. Le groupe de stoner-rock tout jeune a fait beaucoup de progrès, de spectacles et de projets depuis le début de leur existence en 2015, avant même d’avoir sorti un album complet!

Si vous ne connaissez pas encore ce trio, vous reconnaîtrez peut-être les anciens projets des musiciens comme le groupe de trash-punk God Bless America ou encore Madcooks avec Mick Martel qu’on a connu en 2014, ainsi que Reckless Ride avec Fred Couture au début 2010. Maintenant, le groupe présente leur premier album de 9 pistes qui sortira officiellement le jeudi 22 septembre prochain au bar la Rockette.

Avant même d’avoir sorti ce fameux disque, les Hazytones reviennent d’une tournée canadienne de 23 dates d’un bout à l’autre du continent (2500 km!), ainsi qu’une présence au festival Anachronik en mai passé.

Parlant du festival Anachronik, c’est aussi leur association avec le fondateur du festival Frédéric Roy-Hall (avec sa compagnie Le Hall) qui a donné un bon coup de pouce à la “carrière” du groupe, avec l’organisation du lancement d’album de cette semaine, la promotion et le lancement de leur dernier vidéoclip; Light of the Day. L’album est aussi sous le label d’Anachronik Record, au titre du premier album signé à cette nouvelle maison de disques.

Au lancement, on parle donc d’une soirée organisée dans le cadre de Pop-Montréal, avec un concert où, pour la première fois, mettra en vedette le trio rock. N’ayant jamais eu un concert où ils ne servaient pas d’ouverture, les gars semblent assez excité de devenir les vedettes officielles de la soirée!

Le groupe prévoie de faire beaucoup de bruit avec leur album fait maison. Déjà, on peut sentir la vibe de leur musique avec leur vidéoclip Livin on the Edge qui met le ton avec un son rock, lourd tout en restant étrangement catchy. Le groupe se dit heureux de lancer leur disque à la Rockette, pour sortir des places habituelles comme l’Esco ou le Quai des brumes, qui sont souvent choisies comme les salles de préférence des groupes locaux. D’autant plus que la plus-part des salles de spectacle sont réservées à la sélection de Pop-Montréal.

Et pour la suite? Le groupe a l’intention de tourner au Québec en faisant le tours des festivals à l’été prochain, et peut-être repartir en tournée soit aux États-Unis ou encore retourner à l’ouest du Canada. Un passage en Europe en mars est aussi envisagé, beau projet à suivre! L’idée du prochain album est déjà dans les airs. Sinon, plus près de nous, on pourra rencontrer le trio qui suivra le groupe hommage à Led Zepplin au Québec (dates et salles à confirmer).

Auteur: Francis Desmarais

Crédit photo: Hazytones/Daphné Aida

En retrait des Plaines d’Abraham et du brouhaha de la Grande-Allée se trouvent plusieurs endroits plus discrets sur la rue St-Joseph. Ainsi, si on désire sortir, mais ne pas faire la fête à s’en déchirer les tympans, il est possible de prendre part à une soirée de musique électronique décontractée à des bars comme le District St-Joseph, comme en ce 9e jour du Festival d’Été de Québec.

M.I.M. (Andrei Herran) ouvre la soirée avec une introduction très marquée par le disco: le funk est on-ne-peut plus présent! Par le biais de la 3e chaîne du mélangeur, il ajoute une trame de fond de drums de house: cela a pour effet d’ajouter une touche moderne aux chansons disco. Loin de céder sa place pour la soirée, M.I.M. ne sera jamais trop loin de la scène, prêtant souvent main forte à Gab Rhome.

C’est dans un tel effort collaboratif que Gabriel Rhéaume (de son vrai nom), natif de Québec, prend le contrôle des platines. Pendant trois heures, sa performance est marquée par une grande infusion de tech house : parmi les morceaux joués, on écoute « I Got You » de Lucio Aquilina, « Crackhouse » de Peter Horrevorts et « Danza Danza » de Kaiserdisco. Comme style de musique, c’est plus sec, et c’est voulu: on veut laisser le rythme de la batterie et de la basse s’exprimer. Mais, de l’aveu même du principal intéressé, ça manque un peu de dynamisme pour la foule; il adapte donc son set en conséquence. Ainsi, plus tard dans la soirée, on peut entendre quelques morceaux issus de l’univers Anjunadeep comme « Kill For Love » de Clarian et « Falling » de Cubicolor. Ça culmine avec le dynamique morceau “Personal Space” de Yotto, qui, selon Gabriel, effectue une transition parfaite entre le deep et le progressif. Les spectateurs ne peuvent demander mieux pour danser sur le parterre.

Gab Rhome et M.I.M. prouvent une fois de plus que la musique électronique peut être douce et tempérée, sans rien sacrifier de la teneur musicale. Parallèlement, en marge d’ÎleSoniq, on pourra assister aux spectacles d’Andrew Bayer au New City Gas et Pomo au Newspeak. Idéal pour ceux qui veulent expérimenter une portion du festival électro!

NDLR – Véritable gentleman, Gab Rhome a pris le temps de répondre à quelques questions concernant son parcours musical ainsi qu’un bref aperçu de ses prochains projets. Il fournit même des conseils à ceux qu’ils désireraient percer dans l’univers de la musique électronique!

Thorium : Quel a été l’élément déclencheur pour te mettre à la production de musique?
C’est venu très naturellement : je suis dans le milieu de la musique depuis que j’ai 6 ans et j’ai une nature très curieuse. Lorsque j’ai découvert la musique électronique, j’ai tout de suite voulu comprendre le processus derrière la création.

Thorium : Qu’est ce qui est venu avant: le mixing ou la production?
Production, mixing dans les secondes suivantes.

Thorium : Avec quels outils t’es-tu initié à la composition de chansons?
Un vieil ordinateur portatif, Cubase et beaucoup de courage pour surmonter le manque d’équipement. J’ai développé le système très vite après les premiers gigs et sorti pour un setup entièrement analogique.

Thorium : Comment es-tu entré en contact avec Anjunadeep?
Ce sont eux qui m’ont contacté : après avoir essayé de signer une de mes chansons sur All Day I Dream en licensing, ils ont exprimés le désir de me signer comme artiste officiel. Le responsable du A&R et moi sommes devenus de très bons potes peu après, ayant fait des sets back to back en Égypte, Bahreïn et New York jusqu’à maintenant.

Thorium : Quelle a été ta réaction quand un des membres d’Above & Beyond t’as demandé de faire le Guest Mix sur l’émission ABGT?
Très grande fierté, car ce sont les premiers artistes d’électroniques que j’ai écouté religieusement. Un sentiment de coming full circle!

Thorium : Parle-nous de ton expérience à la résidence d’Anjunadeep en juin!
Très bonne expérience; j’ai toujours aimé la foule anglaise et les événements Anjunadeep sont le genre d’endroit où tu es libre d’explorer musicalement, car ils ont une clientèle tellement diverse. À refaire!

Thorium : Outre ta prochaine édition du podcast Anjunadeep, d’autres surprises à venir
J’ai un nouvel opus qui vient tout juste de sortir sur Kindisch, 3 remixes qui sortent d’ici l’automne et d’autres trucs secrets pour Anjunadeep. Je serai à Black Rock City pour Burning man et j’ai aussi une tournée en Asie pour octobre.

Thorium : Quels conseils donnerais-tu à ceux qui désirent se lancer dans la production de musique électronique?
De développer sa patience: ça prend souvent plusieurs années avant d’avoir un résultat qui soit à la hauteur des labels importants. Il est très important de ne pas se dépêcher de sortir sur la première étiquette qui veut signer: de sortir sur une mauvaise maison peut amener beaucoup plus de négatif que de positif.

Thorium : Enfin, pourquoi un nœud papillon à la place d’une cravate?
Je suis un jour tombé dans une rivière à courant très rapide. Les cascades me poussant sur les rochers jusqu’à faire une commotion cérébrale, je ne me rappelle de rien. Tout ce que je sais c’est qu’en me réveillant, il y avait un nœud papillon qui me faisait du bouche-à-bouche et m’a ainsi sauvé la vie. Depuis ce jour je le porte constamment à mon cou.

Auteur: Mathieu Bonin

La plupart des entrevues « normales » se déroulent par téléphone, à l’arrière d’une scène, parfois même, plus intime, chez l’artiste lui-même. Mais s’il est un genre musical qui ne fait jamais ce qui est « normal » c’est bien le Métal Noir. En cette belle journée, je quitte donc les vieux remparts de Frontenac où résonnent les premières notes du festival d’été pour aller quelque part entre Québec et Trois-Rivières rencontrer l’âme pensante de Cantique Lépreux. C’est à l’appoint d’une falaise surplombant la rivière Sainte-Anne que commence ma discussion avec Blanc Feu.

Thorium – Pour débuter pourrais-tu présenter rapidement le groupe et la symbolique derrière cet énigmatique Cantique Lépreux ?

Blanc Feu – Le cantique donne un aspect religieux par définition, on pense donc à une musique spirituelle. Pour ce qui est de la lèpre, on parle d’une maladie assez intemporelle, mythique ; on la retrouve autant dans les grands livres anciens qu’aujourd’hui. La rencontre des deux, surréelle, crée l’effet d’une malédiction.

T – Peux-tu nous en dire plus sur la trame de fond de l’album, comment les différentes pièces s’arrangent thématiquement, s’il y a une continuité ?

BF – Une grande partie du projet s’articule autour de notre expérience de la randonnée, été comme hiver. Pour Cendres célestes, c’est l’hiver qui est au centre de l’album. Le thème est peut-être cliché mais l’originalité vient dans la façon de l’aborder. Par exemple, Le froid lépreux reprend des termes liés à la maladie. Les mots essaient de décrire le mouvement du froid, de la neige, de la tempête. Tout est vraiment connecté à cette thématique mais il serait assez vain de chercher une histoire qui relie le tout. Je vois plus l’album comme une anthologie de textes. L’Adieu traite d’un deuil impossible, car il n’y a pas de corps à pleurer, perdu dans la tempête, ne laissant qu’angoisse et inquiétude. Ensuite, c’est l’aspect prédateur de l’hiver qui est abordé dans La meute, ma préférée autant pour le texte que pour l’énergie nécessaire à la jouer. Je retrouve cette sensation en randonnée quand je vais puiser dans mes dernières réserves lors d’une longue expédition. Tourments des limbes glacials a une approche plus spirituelle, amenant l’idée de se perdre dans la tempête, de s’y mélanger, de s’y fusionner. Transis irait plus chercher un aspect politique qui parle de l’état d’émancipation du Québec par rapport à l’Indépendance, comment les gens sont devenus endormis, gelés et immobiles. On pourrait y voir un parallèle avec la phrase de Gilles Vigneault « mon pays ce n’est pas un pays, c’est l’hiver ». L’album se termine avec Le mangeur d’os, où l’hiver est présenté comme une grande créature, un harfang ignoble, un prédateur sans pitié.

T – Tu as été impliqué dans de nombreux projets par le passé notamment Chasse-Galerie dont la réputation n’est plus à faire sur la scène. Une raison particulière à ce changement de nom ? Qu’est ce qui fait l’unicité de Cantique Lépreux et qui ne collerait pas à tes anciens projets ?

BF – D’abord, on ne parle pas d’un changement de nom, mais bien d’un nouveau projet. Cantique Lépreux respecte certains codes auxquels je n’ai nullement l’intention de me conformer avec d’autres projets. C’est notamment le cas avec Au-delà des ruines, où l’on cherche vraiment à jouer vite, à être brutal et à glisser de la polyphonie dans le Death/Black. Il y a quelque chose d’encore plus surréel dans les textes, de grandes tensions dans l’harmonie, beaucoup de dissonances. Ça ne collerait pas avec Cantique Lépreux qui est plus planant, proche du Black Metal norvégien des années 90. Cantique Lépreux se distingue aussi de Mêlée des Aurores en ce que ce projet s’inspire plus de la musique contemporaine et expérimentale, voire du noise. Un album particulièrement éclaté est d’ailleurs en route. On pourrait parler de l’influence d’Alfred Schnittke, d’Henryk Mikołaj Górecki et de Krzysztof Penderecki dont la musique a d’ailleurs inspiré beaucoup d’introductions glauques et de films d’horreur. Mais c’est vrai que Cantique Lépreux a beaucoup de liens mélodiques avec Chasse-Galerie, sauf que dans ma tête ça se sépare très facilement puisque Chasse-Galerie est le projet de Matrak. Chaque personne a son importance et les influences se recoupent entre les projets, c’est certain, mais je m’occupe plus de la ligne directrice de Cantique Lépreux.

T – Tu parles de nombreuses inspirations mais avec tout ce bagage, comment en vient-on à écrire du Black Metal ?

BF – Je dois me limiter dans ce contexte-là. C’est né de ma passion à essayer de recréer l’atmosphère et la sensation vécues en entendant mes premiers groupes de Black Metal. Je me souviens quand j’ai entendu The Ancien Queen d’Emperor, c’était juste fantastique, tellement caverneux. Le son est vraiment malsain, ça bourdonne, c’est hypnotique… Under a Funeral Moon de Darkthrone est aussi pour moi un des piliers du Black Metal, la première fois que je l’ai entendu j’avais l’impression de mourir, de me décomposer. Ce n’est tellement pas consistant comme son, la production est de l’ordre du spirituel, une scission avec le son Death de la même époque qui essayait d’être lourd, bien produit, avec des guitares stridentes pour des solos éclatés. Et de l’autre côté, le minimalisme de Darkthrone qui est dépouillé, qui glisse entre les oreilles et vient s’infiltrer en toi comme une drogue et te déstabilise. Pour recréer ça avec Cantique Lépreux, je n’avais pas le choix de faire une écriture à contrainte pour ne pas divaguer et rester fidèle à l’esthétique. La base est très spontanée, personnelle, il faut que ça vibre émotivement, que je sois hypnotisé par les pièces.

T – Le groupe se revendique du Métal Noir Québécois, qu’est-ce que ça représente pour toi ?

BF – C’est une grande confrérie. On est tous motivés par notre passion. On s’encourage les uns les autres, on va voir les spectacles, on improvise parfois ensemble, on se donne des commentaires, on s’aide… Exemple, G. d’Eos nous a donné un solide coup de main pour le mastering de l’album. Ce sont toutes ces choses qu’on partage qui selon moi sont uniques. Sinon, c’est très important de faire connaitre la culture québécoise à travers le Métal Noir, par exemple pour faire réaliser aux gens le combat que l’on mène ici pour l’Indépendance, l’aspect socio-politique que l’on retrouve dans Forteresse ou Chasse-Galerie, l’aspect historique… dans Cantique Lépreux on retrouve la nature sauvage du Québec, mais aussi l’héritage littéraire et poétique. Justement, je suis allé chercher le texte « Paysages polaires » d’un poète méconnu d’ici, René Chopin, que l’on est en train de mettre en musique pour le prochain album. Je cherche aussi de l’inspiration chez les poètes des années 1960-70 comme Denis Vanier avec ses textes subversifs ou encore chez Paul-Marie Lapointe et Fernand Ouellette, c’est quelque chose que je veux partager dans ma musique. Dans le Métal Noir Québécois, il y a cette émancipation-là, cette appropriation du Black Metal norvégien, mais en français. J’ai l’impression que ceux qui écrivent en anglais ont une espèce de nostalgie de certains groupes qui les ont influencés, c’est bien correct mais dans beaucoup de cas, ça reste des gens qui veulent se vendre à la machine qu’est l’industrie du spectacle. Le Métal Noir québécois se fout des modes, des courants.

T – Avec l’effervescence du genre et la multiplication des groupes, comment vois-tu le futur du genre ? Va-t-il supplanter la suprématie scandinave ?

BF – Définitivement pas ! En Europe, il y a les moyens et la configuration géographique pour le faire. Si tu pars en tournée en Europe, c’est facile de traverser une vingtaine de pays en quelques heures de route. Pour nous tout est éloigné et puis jouer en région n’est pas particulièrement reluisant. Faire un spectacle devant cinquante personnes ça peut être vraiment bien, sauf que ça reste trop limité comme public. Par contre, je vois d’un assez bon œil la nouvelle scène ici, donc on va espérer que la relève se pointe aux spectacles.

T – Après une première rencontre avec le public lors de votre prestation à Québec en ouverture de Forteresse, la grande étape c’est la Messe des Morts, est-ce que l’aspect live est important pour toi ?

BF – Au départ, Cantique Lépreux devait être un projet assez minimal pour être monté sur scène facilement. Pour Chasse-Galerie par exemple c’est plus compliqué au niveau textuel et musical, c’est de la préparation et du temps. J’adore faire des spectacles mais après les avoir fait. C’est toujours beaucoup de pression qu’on se met, des pratiques la nuit, de l’énergie. C’est pénible, mais on est toujours satisfaits du résultat et la foule est souvent au rendez-vous. La Messe des Morts, c’est une belle soirée de qualité et une atmosphère particulière. Mais je serais content de faire un spectacle en forêt, dans un emplacement bien choisi.

T – Pour terminer, quelques mots sur le futur du groupe ?

BF – Présentement on a un projet de compilation avec d’autres groupes d’ici mais je ne peux pas trop en parler encore, et un petit quatre pièces, beaucoup plus sale et caverneux pour rendre hommage à nos classiques. On va aller chercher du côté de Gorgoroth, Darkthrone, Orcustus, même Bestial Warlust, un côté cru et old school que j’apprécie. Ensuite, le deuxième album est sérieusement avancé, on serait peut-être prêts à enregistrer en automne une fois qu’on aura défini le son à utiliser. Il y a même un troisième album dont la seule chose que je puisse dire, c’est que les lignes mélodiques vont être plus élaborées. On veut amener quelque chose de plus multicouche, multidimensionnel. On peut dire que le premier album est hypnotique et uniforme, alors on va se diversifier et se surpasser en restant fidèles à notre étiquette.

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Texte : Traum

Photographie : Thomas Mazerolles